среда, 31 июля 2013 г.

Van der Graaf Generator - Pawn Hearts

Pawn Hearts - четвертый альбом английской группы прогрессивного рока Van der Graaf Generator, выпущенный в октябре 1971 года фирмой Charisma. Альбом считается одним из шедевров прогрессивного рока среди любителей этого жанра.

Pawn Hearts - последний альбом первой формации Van der Graaf Generator, записанный в "классическом" составе группы: Питер Хэмилл - Хью Бэнтон - Дэвид Джексон - Гай Эванс - и являет собой вершину творчества первого периода группы. В альбоме всего три композиции.  


"Man-Erg" - единственная вещь, опробованная до записи на концертных выступлениях. Композиции первой стороны выполнены в типичной для Van der Graaf Generator мрачноватой атмосфере, которой отличались в рядах прогрокеров пожалуй только они да еще King Crimson. Неслучайно, главный "Король Кримзон" Роберт Фрипп тоже принимал участие в записи этого альбома, и его гитару можно послушать в "Man-Erg" (по времени начиная с 5:55 до 7:10) и в  "A Plague of Lighthouse Keepers", начиная с 8:10 до 10:20, а потом в самой концовке). Относительно спокойную "Man-Erg" пронизывает жесткий орган Хью Бэнтона. "Lemmings" куда более мрачноватая, как по звучанию, так и в текстовом смысле.

Поначалу альбом задумывался двойным. Одна пластинка представляла из себя как раз то, что в итоге и вышло, а вторая задумывалась посложнее, но неблагоприятное финансовое положение группы не позволяло так рисковать с выпуском двойника, которые всегда дороже для покупателя, а следовательно  имеют больше шансов провалиться в коммерческом плане.

Вот что вспоминал Питер Хэммилл о проекте двойного альбома: ""Утерянные" элементы Pawn Hearts должны были состоять из двух разных по настроению сторон винила: на первой стороне предполагалась живая запись в студии нескольких любимых стареньких вещей VdGG - я точно помню среди них были 'Killer' и 'Darkness'. На другой стороне пластинки предполагались сольные проекты Гая, Хью и Дэвида, возможно с привлечением к участию других членов группы. Кое-что из последнего даже было записано, но в целом не было доведено до ума и осталось несведенным.

Заглядывая сейчас из будущего, я считаю, что без этих элементов альбом Pawn Hearts оказался гораздо более цельным и законченным, чем он был бы с ними. Все это задумывалось, чтобы как-то сбалансировать заполнение целой стороны пластинки моей сумасбродной "Lighthouse Keepers"... Хотя на сегодняшний день, они не выглядят такими уж сумасбродными. Я остаюсь чемпионом среди остальных талантов группы, но считаю, что лучшая арена для выражения сольной работы это сольный альбом. Что касается живого исполнения, то лучше всего у нас это получалось, я считаю, на сцене... В любом случае, мне кажется, от тех пленок ничего не осталось...
"

По словам того же Хэммилла, автора 23-минутной композиции "A Plague of Lighthouse Keepers", она была сочинена преимущественно "на заднем сиденье гастрольного автобуса". Композиция демонстрирует не только талант Van der Graaf Generator, но является ярким примером, чего можно было добиться в студии того времени.

На американской версии альбома Pawn Hearts, выпущенной в США и Канаде, на первой стороне была добавлена еще одна композиция - "Theme One" ("Тема Один"). Эту музыку написал еще в 1960-х знаменитый продюсер The Beatles Джордж Мартин, и она долгое время служила заставкой, открывавшей и закрывавшей передачи радио Би-Би-Си 1. В Европе альбом вышел без этой "Темы Один", зато ее выпустили в феврале 1972-го отдельным синглом с песней "W" на обратной стороне. Кстати, более поздние американские издания альбома копировали европейский вариант, без "Theme One".

Несмотря на бесчисленные гастроли, Pawn Hearts провалился в британских чартах, зато имел невероятный успех в Италии - 12 недель продержался там на вершине хит-парада, вышедший вслед сингл "Theme One" также стал итальянским хитом №1.

Thin Lizzy - Live and Dangerous

"Живой и опасный" - так можно перевести live-альбом, т.е. концертный двойной альбом ирландской группы Thin Lizzy, выпущенный в 1978 году на Vertigo в Соединенном Королевстве и на Warner Bros. - в США. Записанный с помощью знаменитого продюссера Тони Висконти, Live and Dangerous во всех опросах последних десятилетий называется в числе лучших концертных рок-альбомов, наряду с The Who - Live at Leeds (1970) и Deep Purple - Made in Japan (1972). Включен в список "1001 альбом, которые надо услышать, прежде чем умрешь".

Поначалу Live and Dangerous планировался как студийный альбом. После успешного сотрудничества в предыдущем альбоме Bad Reputation (1977) с Тони Висконти, Thin Lizzy хотели продолжать работать с ним. Но поскольку Висконти был продюссером нарасхват, у него был очень плотный рабочий график. Тогда лидер Thin Lizzy Фил Лайнотт придумал такой ход - у группы имелось много концертных записей, сделанных в процессе очередных гастролей с альбомами Johnny the Fox (1976) и Bad Reputation (1977), надо было только найти вместе с Висконти пару недель собрать из этого материала концертный альбом.

Однако в итоге, получился гибрид студийного и концертного вида. Началось с невинного предложения Лайнотта переписать кое-где вокал, ибо где-то он действительно страдал чисто по техническим причинам. Потом переписали, так сказать, "залатали" другие огрехи. Потом обнаружили, что результат-то оказался недурён, вошли во вкус да и переписали все вокалы, гитары и бас. Единственными концертными элементами в Live and Dangerous остались ударные и шум публики. Висконти засвидетельствовал по крайней мере, что все песни изначально были записаны перед публикой, кроме "Southbound", которую записали на саундчеке (настройка перед концертом) на сцене в Филадельфии, США. Тони Висконти заявил, что альбом "на 75% записан в студии". Другие источники однако утверждают совершенно обратное: будто альбом на 75% живой. Наложения и сведение производились в студии Good Earth в Лондоне.

Вот что вспоминал сам Висконти об этой работе:

"Альбом Bad Reputation стал большим хитом. Это означало, что Lizzy и я должны были попробовать сделать еще один великий альбом. К сожалению, они застали меня в такой период, когда я был занят альбомом Боуи и, по меньшей мере, еще тремя проектами - я обязался в то время спродюссировать альбомы Steve Gibbons Band, the Radiators и Рика Уэйкмана. Кроме того, в тот год я пытался открыть свой собственный лейбл Good Earth. Записывающая компания требовала от Lizzy новый альбом, а они хотели работать со мной.

Хотя они хотели сделать очередной студийный альбом, они поняли, что я не смогу совпасть с ними по причине моей занятости (это было действительно так). Тогда мы собрались в моей студии Good Earth. Фил сказал, что у них есть горы плёнок с концертов, почему бы нам не посидеть пару недель и не собрать из этого приличный концертный альбом? Это было лучшее, что мы могли сделать за две недели. Какой там! Следующие восемь недель я был по уши в работе над "Живым и опасным"!

Мы слушали, и слушали, и слушали - как минимум 30 часов плёнок, записанных на многих концертах, от Торонто до Филадельфии, и до Лондона! Конечно там имелось кое-что, но работа по отбору подходящего материала была ужасная. Когда мы сделали это, Фил поинтересовался, можно ли переписать кое-где вокал. Особого вреда от этого быть не может - так часто делают в концертных альбомах, исправляя технические ошибки, например, когда фонит микрофон и другие "косяки". Вся штука в том, чтоб студийный вокал звучал как заменяемый им концертный, надо спеть песню точь в точь так же. Если новый голос не совпадет, то из-под него выползет концертный.

Несколько дней мы перезаписывали несколько вокалов. Получалось очень хорошо. Когда мы настроили для этого всю систему и звук, Фил предложил переписать все вокалы. Мы так и сделали. Тогда мы заметили, что Горхэм и Робертсон на подпевках часто не попадали в микрофон. Если прислушаетесь внимательнее, вы можете обнаружить, что Фил дублирует бэкинг-вокалы, исполняя в то же время основную партию! Потом Фил обнаружил, что упустил две ноты на басу, во время концертного пения. Можем ли мы переписать некоторые басовые партии? "Конечно!" - сказал я. Сказано - сделано. Новый бас оказался тверже и точнее, поэтому переписали ВСЕ партии баса.

Тут пришла очередь Скотта Горхэма и Брайана Робертсона. Раз так легко было заменить партии Фила, можно ли им переделать свои? "Конечно!" Но теперь было очевидно, что это уже не был полностью концертный альбом. Были заменены гитары, бас и вокалы - остались только барабаны Дауни и реакция публики! К счастью, Дауни нравилось, как он сыграл и мы сохранили ВСЕ барабаны концертными.

До выхода альбома я не говорил, что альбом на 75% записан в студии, так что я надеюсь, не разрушил некоторых иллюзий. Тем более, альбом стал платиновым, поднимался на второе место в британских чартах, и он того заслуживает. Каждая песня в нем была исполнена перед публикой, кроме "Southbound". Не нашлось хорошей записи этой песни с концертов, поэтому мы взяли ее с саундчека на сцене в Филадельфии и наложили в начале и в конце ее реакцию публики с записи того же вечера.

Поскольку в оригинальной записи не хватало каких-то деталей, мне приходилось идти на некоторые ухищрения, когда Фил попросил добавить участия публике. Например, в брейкдауне песни "Rosalie" Фил призывает публику "Put yer hands together!" (что-то типа "Лучше по-хорошему хлопайте в ладоши вы!"). Я приподнял уровень дорожки, где записана публика, и публика с диким энтузиазмом стала хлопать, как сумасшедшая. Но группа при этом зазвучала еще громче. Я не мог использовать эту дорожку, потому что группа зазвучала бы в таком случае с эхом, отражаемая в усиленных мною микрофонах из публики. Тогда я сделал 20-секундную петлю из аплодисментов, когда публика вызывала группу на бис. Я пропустил эту петлю через электронный гейтер, который открывался-закрывался взависимости от нот, взятых на клавишах. Когда я играл одну ноту на клавишах, петля молчала. Когда я брал на клавишах четвертные, это звучало как хлопки публики. Понимаете, они хлопали тогда весь вечер, но микрофоны записали недостаточно громко. Кроме того, в конце этой песни лента закончилась, и мне пришлось добавлять реакцию публики из концовки другой песни. Вот почему это звучит, буквально, как взрыв аплодисментов в конце.

Кроме этих необходимых трюков, альбом очень реальный. Он демонстрирует одновременно электрические моменты перед публикой и чудесные возможности кое-что исправить в студии.
"

Некоторые трюки группа удачно проделывала вживую. Например, песня "Cowboy Song"("Ковбойская песня") на строке "a cowboy's life is the life for me" моментально переходит в песню "The Boys Are Back in Town" ("Те парни снова в городе"). В последующих концертах Thin Lizzy повторяли этот прием и даже более профессионально, например, на сиднейском концерте с Гарри Муром на гитаре.

Live and Dangerous - последний альбом с участием лидер-гитариста Брайана Робертсона, который ушел из группы, чтобы образовать вместе с экс-басистом Rainbow Джимми Бэйном группу Wild Horses. Джон Ирл, игравший на саксофоне в "Танцах при луне" ("Dancing in the Moonlight") был из группы Graham Parker & the Rumour, а Хьюи Льюис, сыгравший на гармонике в "Baby Drives Me Crazy" ("Малышка сводит меня с ума"), - из группы Clover. Обе эти команды в то время сопровождали Thin Lizzy на гастролях.

10cc - Sheet Music

Sheet Music - второй альбом британской арт-рок группы 10cc, вышедший в мае 1974 года на UK Records (UKAL 1007 - в Великобритании и Европе, AUKS 53107 - в США и Канаде и т.д.). Sheet Music многими, в том числе самими участниками 10cc, считается лучшим альбомом группы, наиболее ярко передающим её концепцию.

Sheet Music - ещё один плод 10сс, записанный во взлелеенной Стюартом и Гоулдманом студии Strawberry. Они любили говаривать друг другу, что "когда-нибудь здесь будут записываться Битлз", и в какой-то степени это сбылось. Летом 1974 студию арендовал Пол Маккартни, который вместе с Линдой и всеми своими Wings записал здесь альбом своего младшего брата Питера Майкла Маккартни. Чтоб не попадать неизбежно в тень своего суперзнаменитого старшего брата Питер не стал пользоваться фамилией Маккартни, а сделал музыкальную карьеру под псевдонимом Майк Макгиэр, и данный альбом назывался просто McGear.

10сс писали свой Sheet Music в это же время. Как вспоминал Грэм Гоулдман: "Мы работали в студии каждый день с 11 утра до 5 вечера. Вечером приходил Пол, и они работали почти до рассвета, а днём мы их сменяли... Это был волшебный период, студия смотрелась просто великолепно, полная их и нашего оборудования. В студии сложилась приятная творческая атмосфера, какой не бывало до того, и конечно же это присутствие Маккартни повлияло на запись Sheet Music."

Практически, все кто причастен к записи Sheet Music считают его лучшим альбомом 10cc. Грэм Гоулдман на сайте 10ccworld.com пишет про Sheet Music: "Наш лучший альбом, представляющий всю суть 10cc. Уникальное песнетворчество и запись." Кевин Годли в интервью 2006 г. сказал про этот альбом: "Это был просто творческий взрыв, мы не знали границ, мы исследовали наши личные и общие возможности. В этих записях полно восторга и энергии, и что самое важное - невинности, которая была открыта для всего."
Такую же высокую оценку Sheet Music дал издатель альбомов 10cc, владелец лейбла UK Records Джонатан Кинг: "Я считаю, что этот альбом был и есть классика поп-музыки. В нём яркость и блеск, которые возникли без каких-либо усилий, практически без труда." Насчёт "поп-музыки" Кинг, пожалуй, хватил лишнего, если только не называть поп-музыкой всё, что не классика. Точнее в этом смысле выразился журналист Чарли Уолтерс в Rolling Stone, сказав, что группа "превратила стандартный поп в изобретательное изысканное искусство." Искусство - art по-английски, поэтому арт-рок - наилучшее название этой музыке.

В конце февраля 10cc поехали в своё первое турне по США, которое 14 марта пришлось досрочно завершить по причине болезни Кевина Годли. Но эта поездка подарила группе идею для песни, которая стала главным хитом альбома Sheet Music - "The Wall Street Shuffle" - что можно перевести как "Махинации Уолл-стрита".

"Мы рассекали по Уолл-стриту в Нью-Йорке в длиннющем лимузине, отмечая попадание в чарты песни "Rubber Bullets"," - вспоминал Эрик Стюарт. - "И вот пересекая этот финансовый центр Америки, Лол произнёс: "Уолл-стрит! Уолл-стрит шаффл". У меня тут же родилась мелодия, а Лол написал слова." Вообще-то удивительно прямой текст, где 10cc в лице Эрика Стюарта обращается к реальному лицу - Говарду Хьюзу, американскому магнату миллиардеру и не просто обращается, а буквально "наезжает" на него.


Вот так всегда в жизни бывает: не на того напали, в буквальном смысле слова. Если вы почитаете биографию Говарда Хьюза, то узнаете, что мать и отца он потерял в юном возрасте, какой он был трудяга и в то же время доходяга, несмотря на все свои богатства и совсем не чета настоящим олигархам, делающим на Уолл-стрит деньги из воздуха. 10cc почему-то не ополчается ни на того же Ротшильда или Гетти, упоминаемых в этой песне, а на больного человека, одного из немногих, типа Генри Форда, сделавших "американскую мечту" былью собственными руками... 

Первый сингл с альбома "The Worst Band In The World" (Худшая группа в мире) вышел ещё в январе 1974, но он оказался настолько скандальным, что песню пришлось переписать, подредактировав текст. 


10cc выпустили в феврале исправленный сингл, где нехорошие слова заменили многозначительными паузами. Песня издевается над самой системой "поп-кумир - фанаты - деньги":

В общем смысл аналогичен известной песне "Бременских музыкантов" "Весь мир у нас в руках, мы звёзды континентов", только у "Бременских" мысль оформлена гораздо выразительнее. Вообще, часто лучше даже не браться за переводы англоязычных групп, а слушать музыку - звучат они гораздо умнее, чем есть на самом деле...


Название Sheet Music - каламбур в присущем для 10cc духе самоуничтожительной иронии. Sheet music - означает музыкальное произведение, написанное или напечатанное в нотном виде. Но в свете того, что 10cc любили именовать себя "худшей группой в мире", "sheet" звучит похоже на "shit" и тогда получается Shit music - то есть "дерьмовая музыка".

Sheet Music стал настоящим прорывом для 10cc, он держался в британских чартах полгода, поднимаясь до 9-й позиции. Два сингла с альбома также стали британскими хитами: "The Wall Street Shuffle" (№ 10) и "Silly Love" (№ 24). В США 10cc оценили не так уж высоко (№81 в Биллборде), и всё же альбом Sheet Music открыл группе дорогу в Штаты.

Sheet Music всегда считался классическим альбомом 1970-х, наиболее ярко отражающим как музыку, так и технику записи, характерные для этого периода. Наверное, поэтому он занесён в книгу 1001 альбом, которые надо послушать, пока не умер - единственный там альбом 10cc.

Cyrus Phono X

Cyrus Phono X
Средняя цена: 42 000 руб.

Описание Cyrus Phono X

Cyrus Phono X – фонокорректор разработанный для самых взыскательных пользователей. Экстремально тихий в работе, Phono X улучшит воспроизведение даже самых лучших картриджей. Многим из нас сегодня цифровые носители кажутся наиболее качественными и удобными, заставляя нас забывать о порой не менее ценных коллекциях старых записей на виниловых пластинках.

Обладая действительно широким динамическим диапазоном воспроизведения, Phono X способен вдохнуть новую жизнь во многие системы базирующиеся на проигрывателе винила. Этому способствует высококачественный MM/MC предусилитель, который использует специально отстроенный низкоуровневый сигнал. Убрав большинство конденсаторов из звукового тракта и сосредоточив внимание на электропитании, создатели Phono X ставили для себя задачу помочь Вам переоткрыть для себя старые, но ценные коллекционные записи и позволить виниловому проигрывателю звучать так же хорошо, как и CD-плееру.

Технические характеристики Cyrus Phono X

- Вход: движущийся магнит и движущаяся катушка
- Выход: линейный стерео выход с фиксированным уровнем (RCA)
- Питание: тороидальный трансформаторор с тройным экранированием (330В)
- Комуникации: встроенная системная шина
- Чувствительность фоно входа: ММ - 5мВ / МС - 390 В
- Сопротивление фоно входа: ММ - 47кОМ / МС - 1К, 100 и 10 Ом при 1нФ
- Выходное напряжение: 370 мВ (RCA), при номинальной чувствительности
- Выходное сопротивление предуслителя: 47 ОМ (RCA)
- Коэфициент искажений: ММ - 0.01% / MC - 0.01% (20 Гц-20 кГц)
- Отношение сигнал/шум: ММ - 92 дБ / МС - 84 дБ
- Погрешность эквализации: +/- 0.2 Дб
- Размеры (ВхШхГ): 73х215х360 (мм)
- Вес: 3.1 кг

Pro-Ject RPM 5.1


Pro-Ject RPM 5.1

Средняя цена: 30 500 руб.

Описание Pro-Ject RPM 5.1

Потомок классика HiFi Pro-Ject 1 с улучшенным звучанием, с двумя в самом деле внедренными различными подходами. Согласно нашему принципу «лучше меньше, да лучше», мы сократили форму с углами до каплеобразной. Затем мы заменили металлический диск на свободный от резонансов диск из MDF. На подшипнике диска закреплено металлическое кольцо, которое действует как отвод энергии. Качество звучания поразительно. Звучание отличается плавностью и полнотой без утраты подробностей.

RPM 5.1 - Электропроигрыватель ручной сборки с 9-дюймовым карбоновым тонармом
•Приводной механизм
•Ременный привод с тихо вращающимся, бесшумным мотором переменного тока типа Select2.
•Прецизионно отшлифованный ремень.
•Приборное шасси из антрацитово-черного покрытого фортепьянным лаком MDF.
•Центральный металлический блок для оптимизации положения центра масс и демпфирования субшасси.
•Регулируемые по высоте алюминиевые конические ножки.
•Многослойный диск из MDF (1,75 кг) с фетровым или пробковым матом и пластинчатым экраном.
•Инвертированное субшасси диска с магнитной подвеской.
•Амортизирующая четырехточечная подвеска мотора.
•Соединительный терминал с позолоченными разъемами типа RCA («тюльпан») и контактом заземления.

Тонарм 9c:
•Прямой 9-дюймовый тонарм с алюминиевой головкой.
•Коническая трубка тонарма из углеволокна.
•Инвертированный прецизионный подшипник (спицы из легированной стали в сапфире).
•Массивное карданное кольцо.
•Оптимизирующая резонансы подвеска противовеса.
•Имеется возможность точной регулировки вертикального угла скольжения и азимута.
•Подъемник тонарма с силиконовым напылением.
•Высококачественная внутренняя кабельная проводка

Thorens TD 158

Проигрыватель серии TD 158 представляет собой полнофункциональное и удобное в использовании устройство. Проигрыватель полностью отвечает идеологии “plug-and-play”. Само собой разумеется, что он имеет полностью автоматический режим работы, электронный селекторный переключатель скорости вращения и (не менее важно!), высококачественную акриловую крышку для защиты от пыли.

Тонарм и головка звукоснимателя установлены и тщательно отрегулированы на заводе. Все необходимые провода входят в комплект поставки устройства, и проигрыватель готов к воспроизведению музыку по взмаху Вашей руки. Знакомство с чудесным миром аналоговой музыки также просто, как и этот проигрыватель!

Технические характеристики Thorens TD 158

Общие
Тип:проигрыватель виниловых дисков
Производитель: Thorens
Страна (главный офис): Швейцария
Страна производства (Made in): Германия
Цвет: чёрный
Габаритные размеры (В*Ш*Г): 120 x 440 x 360 мм
Вес: 4,5 кг
Источник питания: внешний

Характеристики
Привод: прецизионный, пассиковый
Тонарм: Thorens TP 17 с картриджем DN 251S
Автовыключение: автоматически
Антивибрационные опоры: есть
Автоматический режим: полностью автоматический
Частота вращения - 33/45/78:33/45 (электронное переключение)
Опорный диск: 12 дюймов (304 мм), 0.4кг, немагнитный алюминий
Двигатель: синхронный с электронной регулировкой

Особенности
Особенности:с тонармом Thorens TP 17 и картриджем DN 251S
Головка звукоснимателя: есть

понедельник, 29 июля 2013 г.

Genesis - The Lamb Lies Down On Broadway

The Lamb Lies Down On Broadway - "Ягненок разлегся на Бродвее" - двойной концептуальный альбом группы Genesis, выпущенный в 1974. Это шестой студийный альбом группы и последний с участием Питера Габриэля. 

Главный герой сюжета The Lamb - простой пуэрто-риканский уличный парнишка по имени Раэль, живущий в Нью-Йорке попадает в какие-то сюрровые миры и ситуации, встречаясь с нелепыми чудищами и попадая в кошмарное положение - и все это ради того, чтобы спасти своего брата Джона. Поскольку сюжет сочинял Питер Габриэль, в нем отразились его сны и прочие аллюзии, и даже имя героя "Раэль" обыгрывает фамилию "Габриэль". 

Как говорил Питер Габриэль: "The Lamb", как и "Pilgrim's Progress", задумывался как некое приключение, пройдя которое, можно лучше понять себя - тема трансформации. Я попытался придать теме уличный характер еще до того, как появилось панк-движение. Раэля можно было смело назвать панком в то время, без всяких подтекстов, появившихся после 1976-го. Тогда еще не было даже The Ramones, были New York Dolls, но они были скорее гламур-панк.Я почувствовал энергию в этом направлении, было ясно, что порхание в вымышленной стране скоро безнадежно устареет." 

Главный герой альбома - Раэль - совершенно далек от сказочной страны. Этот сальный пуэрториканец, приспособленный к выживанию в нищей, вороватой жизни в гетто Бронкса ("цветной" пригород Нью-Йорка) являет собой полную заокеанскую антитезу к типичному англицизму альбома "Selling England By The Pound" и многих других прежних работ Genesis. Его имя, достаточно похожее на испанское имя Рауль, чтобы подчеркнуть его латинский характер, было не менее английским, чтобы отождествлять одновременно реальность и фантастику.
Хотя Габриэль изображал Раэля на сцене эдаким панком, в короткой кожаной куртке и джинсах, текстовые образы несут в себе гораздо больше общего с потусторонними, сверхестественными вещами, нежели с подземкой и городскими тротуарами. Путешествуя сквозь собственное подсознание к открытию самого себя, Раэль вступает в конфронтацию со смертью ("Here Comes the Supernatural Anaesthetist"), влюбляется ("The Lamia" - "ламии" - в классической мифологии, демоны с телом змеи и женской головой, пьющие кровь детей), предается плотским наслаждениям ("The Colony of Slippermen"), что завершается мерзкой кастрацией (с комичной кражей удаленного члена какой-то птичкой) и самореализацией в финале.
В самом начале работы над новым альбомом было предложено несколько идей. Как вспоминает Габриэль: "Я знал, что моя идея - самая сильная, и знал, что она победит или, по крайней мере, я добьюсь, что она победит. Только одна идея могла всерьез поспорить с моей - это предложение Майка взять за основу "Маленького Принца" Сент-Экзепюри. Но я подумал, что получится слишком приторно. На дворе был 1974-ый год, в предверии панка, и я считал, что нам надо основать свою историю на какой-нибудь современной фигуре, а не на выдуманном создании. Мы вступали в эру больших и жирных супергрупп 1970-х, и я подумал: "Я не хочу уйти на дно вместе с этим "Титаником"".

Габриэль настоял на том, что раз идея его, то все тексты будет писать только он. Это немножко раздражало впоследствии группу, когда музыканты написали много музыки к альбому, а Габриэль отставал в написании текстов. Они жили тогда в удаленном викторианском особняке Хэдли Грандж (Headley Grange) в графстве Ист Хэмпшир, Англия. В том самом доме, где Плант написал свою "Лестницу в небо". Как вспоминал Габриэль: "Мы работали в Хэдли Грандж, который, по моим ощущениям, был наполнен черно-магическими экпериментами Джимми Пэйджа и был полон рок-н-ролльных легенд."

Вспоминает Фил Коллинз: "Мы жили в Хэдли Грандж - в том самом доме, где до нас жили Led Zeppelin, Bad Company и The Pretty Things. Там был полный бардак, видно было, что эти ребята наделали делов. Мы жили все вместе и сочиняли все вместе, и с самого начала дело пошло очень здорово. Пит сказал, что хочет делать все слова, тогда Майк и Тони взялись за ритм-секцию, и мы стали весело строгать музыку. Всякий раз, как мы садились играть, у нас получалось что-нибудь хорошее."

Едва началась работа, как возникло большое искушение. Габриэлю позвонил из Голливуда Уильям Фридкин (William Friedkin) - продюссер и режиссер, пожинавший тогда плоды славы от успеха своего фильма The Exorcist ("Изгнание дьявола", 1973). Фридкин прочитал историю, которую Габриэль поместил на обложке концертного альбома Genesis, и был весьма впечатлен ее образностью и потусторонней изобретательностью. Он хотел делать научно-фантастический фильм и искал сценариста, который никогда не имел дела с Голливудом. Габриэль как-то легко согласился на его предложение, пришел к музыкантам и предложил сделать перерыв в работе над альбомом. Никто, естественно не согласился, ибо работа шла на всех парах, и было делом принципа закончить ее.

Тогда Габриэль пошел на разрыв, он просто сказал: "ОК, я пошел делать фильм. Я уезжаю." Он действительно, уехал, однако вскоре вернулся. Неизвестно, то ли его убедил вернуться Тони Страттон-Смит (Tony Stratton-Smith) - глава звукозаписывающей фирмы Charisma, с которой Genesis были в контракте, - Страт, как его запросто звали музыканты. То ли Фридкин испугался, что своим предложением подвел группу под угрозу распада. Во всяком случае, он вдруг передумал иметь дело с Габриэлем и уехал снимать кино с группой Tangerine Dream. Габриэль, в итоге, остался не у дел и вернулся с повинной головой к группе. Он дописал тексты, и даже музыку к "The Carpet Crawlers" (на альбоме она первоначально называлась "Carpet Crawl"). Но трещина между ним и группой осталась. 

По воспоминаниям барабанщика Тони Бэнкса: "Пит вернулся, и мы закончили альбом, мне он сильно нравился. Мы сыграли в нем много разных настроений, иногда все начиналось с импровизации на какой-нибудь идее. Например, Майк мог сказать: "Фараоны плывут по Нилу", и начинал играть два аккорда, тогда остальные присоединялись к этой теме. Из этих "фараонов" в альбоме получилась вещь "Fly on a Windshield". И так же писались многие другие вещи. Когда мы записывали "The Waiting Room", мы выключили свет и устроили джем в темноте. Поначалу было и вправду страшновато. Мы назвали это "The Evil Jam" ("Зловещий джем")".

""Зловещий джем" начался с шумов, которые издавал Стив на гитаре и Тони, возившийся с парой синтезаторов. Мы просто дурачились, извлекая противные звуки, играя все интенсивнее. Питер гудел в микрофон на гобое и играл на флейте через эхоплекс, когда вдруг ударил гром. И мы все подумали, что вступили в контакт с чем-то тяжелым. Было около 5 или 6 вечера, когда мы производили все эти странные звуки, когда вдруг началась гроза и ливень. И тут мы вошли в мелодическое настроение. В такие моменты начинается настоящее коллективное творчество. Мы прекрасно работали вместе над The Lamb, и когда материала было достаточно, приехали записывать его в другой дом - в Уэллсе. За две недели мы записали всю инструментальную основу, и потом еще месяц ждали тексты. Питер отставал." (Фил Коллинз)

Группа раздражалась на него, но он итак считал, что его слишком подгоняют. Габриэль никогда не горел желанием вдаваться в объяснения своих текстов. Иногда это просто бессмысленно, потому что тексты не имеют прямого смысла, но несут в себе чувства и звучание слов. Их понимание можно было найти скорее в сценическом представлении, нежели в литературном исследовании.

Записав в Уэллсе "болванки", вокал поехали писать в Island Studios в Ноттинг Хилл, все покинули студию и Габриэль записывался один. Когда альбом был почти готов, гитарист Стив Хакетт повредил сухожилие и нерв большого пальца, раздавив в руке винный фужер. Этот случай символично показывает, в каком напряжении осуществлялся весь проект. Он стоял на рисепшне отеля, после концерта Алекса Харви. "Я не знаю, как это произошло", - говорил Стив. "Самое забавное, что то же самое случилось со мной на телепередаче "Bionic Man", решили, что у меня произошел непроизвольный выброс адреналина, по причине стресса." Случай со Стивом заставил группу отменить назначенный на осень 1974 трехнедельный тур по Англии для продвижения нового альбома. Возможно, это было к лучшему, ибо задержка с записью позволила группе хорошо отрепетировать материал.

Синтезаторное, не от мира сего звучание и закольцованный звон бьющегося стекла в композиции "The Waiting Room", а также голосовые эффекты в "The Grand Parade of Lifeless Packaging" устроил известный композитор и музыкант стиля эмбиент (ambient - "окружающая среда") Брайн Ино, назвавший свой вклад в альбом "Enossifications", то есть "Иноссификация". Стив наложил, в конце концов, свои гитарные партии, альбом был смикширован и выпущен в ноябре 1974. За пять месяцев было записано материала, хватившего на две пластинки. Он был назван "концептуальным" альбомом в пору, когда слово "концептуальный" утратило свой прежний блеск.

Турне "The Lamb Lies Down on Broadway" началось в декабре 1974 в Америке. На трех экранах позади сцены демонстрировался сюжет, состоящий из 1000 слайдов. Габриэль большую часть представления, вплоть до песни "The Lamia", был одет в несвойственную ему униформу - кожаную куртку и джинсы. Затем он накрывался конусообразным объектом, высвеченным ультрафиолетовым светом, что должно было означать вихрь, закручивающий и катапультирующий живые существа в таинственный мир. На песне "The Colony of Slippermen" он появлялся на сцене в чудовищном раздутом костюме с надувными гениталиями невероятных размеров. Еще до этого на сцене стоял макет Габриэля и луч света сиял на самом интимном месте. Этот двойник создавал иллюзию существования двух Габриэлей. Роуди (сценические рабочие) иногда разыгрывали шутки. На одном концерте у макета торчал из ширинки банан, а на самом последнем концерте один накачанный, здоровенный роуди встал вместо макета абсолютно голый.

Для жены Габриэля это было в новинку, что Питер проявлял на сцене так открыто свою сексуальность. "Он был разгневан, и это было очень мощное зрелище. Он открывал себя всего перед миром, но не был связан со мной," - вспоминала жена Габриэля Джилл (Jill). "Я бывало говорила ему: "Почему ты не можешь быть таким со мной?" Я помню, как я сидела среди публики и чувствовала, как возбудил меня этот парень, за которым я замужем. Но он не мог быть таким же вне сцены. И с годами у него это все меньше получалось - быть собой в повседневной жизни."

Несмотря на натянутые отношения с группой, Габриэль отыграл все турне в поддержку альбома, и только в конце его объявил об уходе из группы. Помимо первой размолвки, произошедшей во время работы над альбомом, отношения обострили новые обстоятельства. Жена Габриэля пережила болезненные первые роды, и когда Габриэль предпочел, вместо очередной записи и гастролей, остаться с женой и больной новорожденной дочкой, возмущение со стороны группы побудило его к окончательному разрыву с Genesis. Так что, мы имеем дело с последним творением Габриэля в составе легендарной группы.

Yes - The Yes Album

The Yes Album -  третий альбом британской группы прогрессивного рока Yes, выпущенный фирмой Atlantic Records в феврале 1971 года в Соединенном Королевстве и месяцем позже - в США. Это первый альбом, в котором участвует недавно пришедший в группу Стив Хау, ставший бессменным гитаристом Yes. Это также первый альбом Yes, состоящий исключительно из собственного материала, поскольку в предыдущих двух группа исполняла кавер-версии групп, оказавших на нее значительное влияние - The Beatles, The Byrds и Саймона и Гарфинкела. Альбом The Yes Album также положил начало долгому и плодотворному сотрудничеству с продюссером и звукорежиссером Эдди Оффордом, чье мнение в студии станет ключевым при создании уникального звучания Yes. The Yes Album окончательно утвердил успешную карьеру группы, он достиг №4 в британских чартах. В в США он не поднимался выше 40-го места, зато держался в чартах 50 недель и стал, в конце концов, платиновым.

The Yes Album открыл Yes дорогу к суперстарству, на которую они вышли с последующими альбомами Fragile (конец 1971) и Close to the Edge (1972). Это был их первый коммерческий успех, и как выяснилось позже, если б альбом не пошел, Atlantic уже собиралась расторгать с ними контракт, разочарованная коммерческими неудачами первых двух альбомов.

Альбом был записан на старой ферме в Девоне (Англия). Хау так полюбил это место, что позже купил дом и прилегающие земли и живет там. Он соорудил в доме Langley Studios.

Джон Андерсон подписан в альбоме John Anderson. Вскоре после этого он исключил букву "h" из своего имени и на последующих альбомах будет писаться Jon Anderson. На лицевой стороне обложки фото музыкантов Yes, где клавишник Тони Кей сидит с ногой в гипсе, потому что недавно попал в автомобильную аварию.

Многие характерные черты, которыми прославилась Yes, впервые  продемонстрированы в The Yes Album:
- "демократический" баланс - когда каждый участник группы вносит в альбом свой равнозначный вклад.
- Стив Хау впервые появляется в этом альбоме группы и играет в дальнейшем огромную роль в ней.
- продолжительные песни в альбоме "Yours Is No Disgrace", "Starship Trooper" и "Perpetual Change" станут предвозвестниками для будущих песен длиной в целую сторону пластинки, которые появятся на Close to the Edge (1972), Tales from Topographic Oceans (1973) и Relayer (1974).
- гитарный эффект "фленджер", примененный в "Starship Trooper", был достаточно редок для тех времен (хотя первыми его применили еще The Ventures в своем альбоме The Ventures play Telstar 1963 года).

Первый клавишник Yes Тони Кей предпочитал играть на простом Hammond B-3 или фортепиано, любил чистый органный звук, без всякой синтетики, в то время как Джон Андерсон был заинтересован в применении новейших для того времени синтезаторов Moog. Это привело к трениям между музыкантами, в результате чего Кей покинул группу после The Yes Album, и ему на смену пришел Рик Уэйкман с целым арсеналом электронных клавишных инструментов.

Чисто акустическая композиция гитариста Хау "Clap" стала любимым концертным номером как для группы, так и для их фанов. "Clap" явно навеяна композицией Дэви Грэхэма "Fingerbuster". "Clap" переводится "Хлопок" от слова "хлопать", пьеса была написана по случаю рождения у Хау сына Дилана, который пытался хлопать в ладоши в своей коляске.

"Disillusion" получилась из более ранней песни "For Everyone", которая была выпущена в поздних изданиях Yes 1990-х и 2000-х годов. "Würm" - река в Германии, хотя "Wurm" - старинное английское слово, означающее "дракон".

The Yes Album считается классическим, одним из лучших альбомов Yes. В 2001 году журнал Q поместил его на 86-е место в своем списке 100 лучших британских альбомов всех времен.

Tom Waits - Swordfishtrombones

Swordfishtrombones - девятый альбом американского автора-исполнителя, композитора и актера Тома Уэйтса, вышедший в сентябре 1983 года на Island Records. Это первый альбом, который Том Уэйтс продюсировал сам - начиная с Swordfishtrombones эта традиция продолжится. Swordfishtrombones открывает новое направление, в котором Уэйтс резко сменил звучание, уйдя от традиционных аранжировок к самым диковинным инструментам, а тексты приняли абсурдистско-абстрактный характер. Swordfishtrombones - один из лучших альбомов в современной музыке и включен во многие списки "самых-самых". 
ИСТОРИЯ

Некоторые отголоски нового направления уже слышны в предыдущем альбоме Уэйтса Heartattack and Vine (1980), но основной причиной глубоких перемен в творчестве певца и актера были значительные изменения в его личной жизни. В 1980 году он женился на Катлин Бреннан, коллеге по музыкальному цеху, которая стала его музой и соавтором многих последующих песен, хотя официально в авторских титрах и не значится.
В 1998 году Уэйтс рассказал как это было: "Мы познакомились на одной новогодней вечеринке в Голливуде. На следующий день я уезжал в Нью-Йорк и больше не собирался когда-либо возвращаться в Лос-Анджелес. По крайней мере, так я думал тогда. Так вот, мы встретились под Новый год, и я уехал на несколько месяцев, а потом меня позвал Коппола работать в фильме One from the Heart/От всего сердца (1982). Я вернулся, мне выделили небольшой офис с роялем, где я сидел и писал песни. А в соседнем помещении была Катлин. Она работала скрипт-аналитиком, то есть обрабатывала сценарий этого фильма. Кто-то попросил ее что-то передать мне, она постучала в дверь, я открыл - на пороге стояла она, тут-то все и произошло. Любовь с первого взгляда. Любовь со второго взгляда."
Том Уэйтс со своей женой Катлин БреннанЧерез два месяца они поженились, причем церемония совершилась в 2 часа ночи в знаменитой лос-анджелесской церкви "Навеки вместе", которая специализируется на брачных службах и проводит их круглосуточно. Попав в дом Тома, Катлин была несколько разочарована его виниловой коллекцией. Она вырвала Уэйтса из привычной джазовой упаковки и заставила смотреть иностранные фильмы (что американцы делают весьма и весьма редко - и очень немногие), познакомила с немецким театром, азиатской перкуссией, французским кабарэ... Музыкальные вкусы Катлин Бреннан, не ограничивавшиеся рок и поп музыкой, существенно повлияли на дальнейший ход творчества Уэйтса. Прежде всего, Катлин открыла для Тома творчество Капитана Бифхарта. Несмотря на то, что у Уэйтса с Бифхартом  в семидесятых был один и тот же менеджер, Уэйтс как ни странно никогда толком не слушал музыки Дона Ван Влита. "Я узнал его лучше только после женитьбы," - признался Уэйтс. Нестандартный подход к музыке Капитана Бифхарта определенно повлиял на новые музыкальные решения Уэйтса в Swordfishtrombones

Начнем с инструментов. Если раньше Уэйтс удовлетворялся обычным набором из гитары, ф-но и струнной оркестровки, то в этом альбоме в ход пошли более диковинные для рок-поп музыки инструменты. Ну, волынки ("Town with No Cheer") или фагот, это еще куда ни шло, все-таки традиционные вещи. Маримба ("Shore Leave"), хоть и экзотичнее, но все знают ее звучание по роллинг-стоунзовской вещи "Under My Thumb". Но Уэйтсу полюбились также звуки язычкового органа или например совсем уж диковинного инструмента под названием уотерфон (waterphone), который буквально переводится как водофон. Связь с водой здесь и прямая, и переносная. В эту железяку заливают воду для резонанса. Впрочем, для перкуссии  туда с таким же успехом насыпают гвозди. Изобретатель водофона - человек с водной фамилией Уотерс (Richard Waters) запатентовал свое изделие в 1975 году. Каждый водофон уникален и делается на заказ. Все о водофонах (можно даже заказать) - на сайте Уотерса. 

Для инструментальной композиции "Dave the Butcher" (Мясник Дейв) Уэйтс пытался найти каллиопу. Да где ж ее найдешь? Битлы обыскались ее в свое время - Джордж Мартин хотел записать каллиопу в песне "Being for the Benefit of Mr. Kite!" - да тоже не нашли. Уэйтсу пришлось обойтись органом Hammond B-3.

Как объяснил свой поворот к необычным инструментам Том Уэйтс: "Наши руки, как собаки, привыкли ходить только по знакомым местам. Надо опасаться, когда перестаешь играть головой, а пальцы бегают сами по наезженной колее. Надо отучить их от этой дурной привычки, иначе перестанешь искать новое, а будешь играть все только проверенное и приятное. Я пытаюсь избавиться от этой привычки, играя на инструментах, о которых понятия не имею - таких например, как фагот или водофон."

Уйдя от традиционного жанра баллады под ф-но со скрипками, Уэйтс в Swordfishtrombones попробовал сразу несколько жанров, включая примитивный изначальный блюз, кабарэ, румба, театрализованность в духе Курта Вейля, танго, ранняя кантри-музыка, европейская народная музыка, а также песни эпохи, когда процветала т.н. "Улица дребезжащих жестянок" (Tin Pan Alley - так прозвали улицу в Нью-Йорке, на которой в начале XX века скопилось множество сочинителей и издателей музыки. В те времена никто из исполнителей не пел своих песен -  все приезжали на эту улицу и заключали с авторами договор на исполнение той или иной песни.). Уэйтс даже попробовал себя в жанре, который в английском называют spoken word, т.е. произносимое слово ("Frank's Wild Years" - Дикие годы Фрэнка) - это нечто типа речетатива, только в речетативе говорят, придерживаясь какой-то тональности, а в рэпе - ритма, а spoken word - это просто говорильня на фоне музыки. Этой говорильней увлекался еще Джим Моррисон в The Doors.

Итак, Том Уэйтс сменил жанр, сменил инструментарий, а кроме того сменил фирму грамзаписи: ушел с Asylum Records на известную своими прогрессивными наклонностями Island Records. Swordfishtrombones стал первым его альбомом, вышедшим на Island. Более того, начиная с этого альбома Уэйтс стал продюсировать себя - то есть отстраивать себе звук - сам. Оно и понятно: какой профессиональный звукорежисер взялся бы за такое? Разве что Фрэнк Заппа, продюсировавший Капитана Бифхарта.

Большое участие в аранжировке песен альбома принимал его старый друг-музыкант Френсис Тамм. Вот кто определенно помог Уэйтсу двигаться в новом направлении. Они подружились еще в 1969 году, когда обоим было по 20 лет. "Том вырос на очень старомодной музыке," - рассказывал Френсис Тамм. - "он многое воспринял от мамы и церкви. Мы когда познакомились с ним, первым делом запели вместе лучшие мелодии Гершвина. Помню, мы сидели за ф-но и вспоминали одну за другой песни Гершвина, как пара стариков из дома престарелых. Том замечателен тем, что уравнивает все сферы музыки. Для него нет разницы между классикой и другими стилями. Он - раб звуков и музыки, и ты захватываешь его в плен моментально, начиная играть что-нибудь. Это очень детская, и в то же время очень утонченная реакция."

Едва познакомившись, Уэйтс с Таммом начали делать всякие домашние записи, полные юмора. Как рассказывал Тамм: "Мы записали, например, магнитофонный альбом под названием "Фрэнк Синатра поет песни Джима Моррисона". Мне больше всего нравилось, как Том пел "Riders on the Storm", кося под Синатру. Мы до сих пор балуемся так."
Френсис Тамм - классический пианист, обучавшийся дирижированию у самого Леонарда Бернстайна, имел кроме того настоящий "потусторонний" опыт, участвуя в авангардистских экспериментах Ансамбля Гарри Парча (Harry Partch Ensemble). Сам Гарри Парч - уникальная личность, нетрадиционный подход которого к музыке наверное можно сравнить с подходом Эйнштейна к физике. Хотя сравнение неточное, ибо традиционная физика все-таки признавала Эйнштейна, а классические музыковеды гнали Парча, как традиционная медицина смертельно ненавидит любые народные методы. Но Парч, его микрохроматическая музыка, а также изобретенные им уникальные инструменты требуют отдельного разговора. Он упомянут здесь постольку, поскольку в его музыке следует искать корни сюрреалистического звучания Swordfishtrombones, а Френсис Тамм оказался основным проводником этих идей. Наберите Harry Partch в YouTube и послушайте...

Одна из песен альбома - "Johnsburg, Illinois" - имеется в вид городок Джонсбург в штате Иллинойс, откуда родом жена Уэйтса - Катлин - "единственная настоящая любовь", которой он посвятил эту песню. Она выросла там на ферме, о чем и поется. "Она очень короткая, я хотел уместить все в одном куплете," - комментировал Уэйтс. - "Бывает, работаешь над песней, и вдруг обнаруживаешь, что второй куплет просто повторяет то, что уже было сказано в первом. Я пытался передать в ней настроение моряка, который где-то на  чужбине в баре достает свой кошелек и показывает фотографию соседу, который разговаривает в это время о чем-то, а он показывает и говорит: "А вот.. Это она". И убирает кошелек обратно. Тематически, я пытался связать ее с песней "Shore Leave", где упоминается женщина, одиноко ждущая где-то там в Иллинойсе."

Песня "Underground" (Подземелье) - по словам Тома Уэйтса, "изначально это была попытка отразить поведение некой колонии мутантов-карликов и передать это все в духе русского марша. Люди, трахающиеся в подземных теплотрассах, тысяча ботинок одновременно проходящих по деревянному полу. Должен был петь какой-нибудь хор, и все это в духе "Доктора Живаго". Так было задумано вначале.

А потом я сократил размах и решил использовать бас-маримбу для придания экзотической атмосферы, отсюда и получился этот стук деревяшек. Это Виктор Фельдман играет на бас-маримбе, Ларри Тейлор - на акустической гитаре, Рэнди Олдкрофт - на баритоне, Стивен Ходжес на ударных и Фред Таккетт - на электрогитаре.
Мне оказал помощь джентльмен по имени Френсис Тамм, который работал со мной над аранжировками некоторых из этих песен, который играет на Хромлодеоне в Ансамбле Гари Парча под руководством Дэниэла Митчелла. Так вот, он плотно работал над многими из этих песен.

В песне речь идет об активной ночной жизнедеятельности в подземных теплотрассах и коллекторах под Нью-Йорком, где как говорят, существуют целые коммуны леди и джентльменов, ведущих нелегкий образ жизни в таких условиях. Когда я был ребенком, я мог часами стоять, уставившись взором в коллекторный колодец и воображая нечто типа "Путешествия в центр земли".

Вообще, про альбом Swordfishtrombones можно писать очень много и долго, разбираясь по порядку в его треках, с удовольствием занимаясь анализом текстов - к сожалению, у нас нет на это времени. Swordfishtrombones, как и многие другие шедевры Тома Уэйтса, не поднялся высоко в чартах - всего лишь № 164 в Биллборде, зато был по достоинству оценен в некоторых журналах. Так журнал Spin в 1989 назвал Swordfishtrombones альбомом №2 в своем списке 25 лучших из лучших всех времен. Английский журнал Q в 2006 году отвел альбому 36-ое место в списке 40 лучших альбомов 1980-х. Более независимый (в смысле инди) чикагский интернет-журнал Pitchfork Media оценил Swordfishtrombones повыше: № 11 в числе лучших альбомов 1980-х. 

НАЗВАНИЕ И ОБЛОЖКА

 Swordfishtrombones - сложный словонаворот, изобретенный Уэйтсом, в котором swordfish - это "рыба-меч", а trombones - "тромбоны" (имеется в виду духовой музыкальный инструмент). Каламбур заключается в том, что bones (если без trom) означает "кости". Кости, то есть "Тромбкости рыбы-меча". Больше никаких объяснений тут нет и не требуется. Это слово упоминается один раз в одноименной песне, когда герой песни, вернувшись с войны, "стал ходить с девушкой из Оркестра Армии Спасения, которая играла грязную воду на какой-то тромбкости рыбы-меча".

Обложку для Swordfishtrombones сделал Майкл Расс, которого можно назвать фотографом-художником или наоборот - художником-фотографом. Том с женою посетили однажды выставку его работ, им понравилось, и Уэйтс заказал Рассу сделать обложку для этого альбома. Уэйтс предложил обыграть идею контраста между карликами и гигантами. Для этой цели провели кастинг, на который пришла куча лос-анджелесских карликов и куча невероятно больших людей. Представляете зрелище! Выбрали двоих: Анджело Россито и Ли Колима. Они были самые вдохновляющие. Мы поместили здесь парочку альтернативных фотографий с той фотосессии.

Потом, по словам фотографа, они вынашивали идею еще три месяца, пока она не утряслась окончательно. Для последующей подкраски фотографий, Рассу желательно было иметь отражающийся фон, и тут прекрасно подошла кухня одного ресторана, блестящая шкафами и полками из нержавеющей стали. Фотосессия заняла всего три часа и прошла в дружеской шутливой атмосфере. Расс отметил, что с Уэйтсом очень приятно сотрудничать: "Он любит во все вникать и оказывает поддержку. Мы прекрасно сработались с ним. Возможно это благодаря тому, что Тому интересны люди, он всегда носит с собой блокнот с ручкой и записывает туда то, что слышит. Так что если вы заметите, как он черкает что-то в своем блокноте, после чьих-то слов, и рисует, ну скажем, бокал мартини - этот бокал мартини что-то означает для него. А когда это начинает что-то значить и для меня - вот так и начинается сотрудничество и обмен идеями. По-моему, он - мастер минимализма."
Во время фотосессии родилась идея видеоклипа к песне "In the Neighborhood", в котором участвовали все люди с обложки альбома: Том, Ли Колима и Анджело Россито. Хотя кроме них на видеоклип сбежалась масса желающих - люди любят сниматься в кино, на телевидении. А тем более в клипе у Тома Уэйтса. Поэтому на кастинг пришло больше сотни самых дремучих лос-анджелесских маргиналов из андерграунда.

За основу сюжета клипа взято традиционное нью-орлеанское траурное шествие, которое отличается как известно приплясыванием. Том Уэйтс в клипе не только приплясывает, но еще и подпрыгивает, как контуженный. "In the Neighborhood" переводится "По соседству", клип и был снят по соседству с домом Тома Уэйтса в лос-анджелесском районе Серебрянное Озеро (Silver Lake). Съемку делал оператор-ветеран Хаскелл Уэкслер, считающийся одним из десяти самых влиятельных операторов в истории Голливуда. Он снимал на обычную оптику и на цветную пленку. Это потом, в построизводственном процессе все перевели в черно-белый цвет и - с помощью оптического принтера - наложили эффект широкоугольной оптики с довольно сильным коэффициентом, близким к "рыбьему глазу".

"In the Neighborhood" (По соседству) - своеобразый траурный гимн нашим соседям, достающим своими лающими собаками; непрекращающимся ремонтным работам на улице; мусорному ведру, которое всю прошлую ночь катали по улице собаки...

Подобно настоящей траурной музыке, в этой песне печаль сочетается с надеждой на лучшее, а этой торжественностью Уэйтс, как настоящий художник, напоминает нам о высокой ценности данной нам жизни, независимо от рутинных мелочей, из которых она состоит.

Swordfishtrombones - один из 1001 альбомов, которые надо послушать, прежде чем умрешь. Несомненно, must be в коллекции любого мыслящего человека, слушающего современную музыку.

SRM Arezzo

Проигрыватели обновленной серии Arezzo имеют первоклассный дизайн. Благодаря усовершенствованной схеме управления, чрезвычайно устойчивому и эффективно поглощающему различные внешние вибрации акриловому столу оригинальной конструкции , акриловому опорному диску, системам «Duo-Drive» и SRM Kinetic - модели этой серии звучат так же восхитительно, как они выглядят.

Проигрыватель SRM Arezzo : Основание состоит из трёх акриловых платформ ( платформы развязаны между собой с помощью точечных опор с демпфированием из Sorbothane) , Корпус главного подшипника изготовлен из фосфористой бронзы , шпиндель опорного диска из стали с напылением карбида вольфрама . Система привода на двух пассиках"Duo-Drive" , отдельный блок управления.

Предусмотрена возможность модернизации проигрывателя до Arezzo Kinetic и Arezzo Arezzo Ultra.
 
Проигрыватель установлен на специальных специальной платформе , которая эффективно поглощают различные внешние вибрации, что, в конечном счете, обеспечивает стабильное вращение опорного диска.

Страна (главный офис): Великобритания Страна производства (Made in): Великобритания
Цвет: прозрачный
Габаритные размеры (В*Ш*Г): 438 x 390 x 125 мм
Вес: 9.3 кг
Источник питания: внешний
Привод: прецизионный, пассиковый
Антивибрационные опоры: есть
Частота вращения - 33/45
переключение скоростей : ручное
Опорный диск: 12 дюймов (304 мм),
Двигатель: синхронный

Talk Electronics Apprentice TT

Проигрыватель виниловых дисков начального уровня.

Особенности:
  • керамический опорный подшипник,
  • смазка -синтетика высокого  качества
  • Пасик   из Neoprene,
  • Ortofon OM5e (MM)- в комплекте
Основные параметры
Привод
ременной
Поддержка скоростей
33 и 45 об/мин
Картридж в комплекте
есть
Тонарм в комплекте
есть
Крышка
в комплекте
Встроенный фонокорректор
нет
Переключение скоростей
ручное
Автоматика
отсутствует
Тонарм и картридж
Название тонарма в комплекте
Rega RB101
Тонарм
поворотный, прямой формы
Название картриджа в комплекте
Ortofon OM5e (MM)
Конструкция
Материал стола
МДФ
Материал диска
пластмасса
Функции и особенности
Доступные цвета
серый,
Размеры (ШxВxГ)
440x100x360 мм

пятница, 26 июля 2013 г.

Deep Purple - Machine Head

Machine Head - "Механическая голова" - шестой студийный альбом британской группы Deep Purple, вышедший в марте 1972 на Purple Records. Это первый альбом группы, выпущенный собственным лейблом Purple Records. Записан в декабре 1971, не без приключений, в городе Монтрё, Швейцария на берегу Женевского озера с помощью мобильной студи записи Rolling Stones. Machine Head - самый популярный и, скорее всего, самый лучший альбом Deep Purple, по выходе в свет он возглавил хит-парады во многих странах. В 2001 году британский рок-журнал Q поместил Machine Head в своем списке 50 самых тяжелых альбомов всех времен.

ИСТОРИЯ

В декабре 1971 года Deep Purple запланировали записать новый альбом в швейцарском курорте Монтрё, на берегу Женевского озера. Местом записи выбрали небольшой глухой зал в развлекательном комплексе под названием Casino, где кроме этой концертной площадки действительно было полно всяких казино, баров и кинотеатров. Владельцем комплекса был Клод Нобс, с которым музыканты Deep Purple сдружились, которому они, в конце концов, посвятили этот альбом, и благодаря которому эта площадка была очень популярна среди рок и джаз артистов. В тот год на ней выступили, например, Led Zeppelin, Pink Floyd и Black Sabbath. На 4 декабря 1971 был намечен концерт Фрэнка Заппы и его группы Mothers of Invention, а потом зал закрывался на зимний сезон, вот тогда-то Deep Purple и планировали начать записываться в нем. Идея была передать энергетику живого выступления, избежав при этом настоящего концерта.

Поначалу все шло по плану: была уже оплачена аренда передвижной студии записи Rolling Stones, Deep Purple приехали и поселились в гостинице. Они естественно пошли на концерт Заппы. Группа Mothers of Invention была в самом сильном за всю ее историю составе, плюс действо подогревали своими шуточками фронтмэны группы - Фло и Эдди. В какой-то момент один парень из публики, видимо ради пущего веселья, запустил в потолок сигнальную ракетницу. Лучшей почвы для огня, чем сухая как сено крыша старого здания было не сыскать. Пламя моментально охватило все здание. Публика в панике побежала к выходам. Заппа поначалу мужественно управлял со сцены этим движением, но затем сам бежал, со словами "Артур Браун во плоти! " Надо отдать должное сотрудникам зала, которые спокойно обеспечили выход всей публике, так что никто не пострадал. Только Mothers of Invention потеряли оборудования больше, чем на 50 тыс. долларов (почти полмиллиона на современные деньги), да рухнули планы Deep Purple.

Группа попробовала записываться в другом подобном зале - Pavilion, закрывавшемся на зиму, но он находился прямо посреди жилых районов, и с первыми звуками знаменитого риффа зарождавшейся песни Smoke on the Water местные жители вызвали полицию. О том чтобы перебазироваться в какой-то другой город уже не могло идти и речи - времени для записи оставалось слишком мало. Deep Purple помыкались еще по городу, и в конце концов, выбрали местом для записи Гранд-отель, расположенный в глуши на окраине города. Расставили аппаратуру прямо в одном из коридоров, который обложили изоляционными материалами и тщательно перегородили со всех сторон, так что музыкантам приходилосьв выбираться оттуда через балконы. Далее дело пошло очень быстро. Весь альбом был сочинен и записан за две недели.

"Вы слушаете альбом именно в том виде, как мы его записали," - вспоминает Роджер Гловер. "Мы не делали никаких альтернативных версий и ничего не урезали." Когда Гловер занялся ремастерингом для юбилейного выпуска Machine Head, а это обычно предполагает включение записанных в студии, но не издававшихся ранее песен или хотя бы других дублей известных вещей, то здесь ничего такого не нашлось - только восемь номеров и немного шуток и всяких разговоров. Восьмой вещью, не вошедшей в альбом была When a Blind Man Cries. Эта медленная спокойная распевная песня, действительно, сильно контрастировала с остальными динамичными номерами. Логично, что ей не место было в Machine Head. (Гловер включил ее и всякие посторонние звуки в юбилейное издание на CD.)

Альбом Machine Head стал бестселлером, едва попав в продажу. В рок-музыке мало подобных альбомов, от песни к песне не сбавляющих драйва и рок-накала. Гитарный рифф Pictures of Home Блэкмор придумал из куска мелодии, которую он поймал на волнах УКВ то ли турецкой, то ли болгарской радиостанции. "Самое смешное," - вспоминал Гловер, - "что когда Machine Head только вышел, мы думали, что главным хитом альбома станет Never Before. Мы вложили в нее столько сил - приятный мост, четко сыгранные партии, грамотное сведение." Песня действительно поражает своей отточенностью, фанковым вступлением и звучащим по-битловски мостом. Однако главной вещью альбома, и визитной карточкой группы Deep Purple, да вообще одной из самых известных рок-песен в мире стала Smoke on the Water - песня, в которой они увековечили свою историю про запись альбома в Монтре. Там упоминается почти все: и Фрэнк Заппа с Mothers, и "какой-то придурок, сжегший место до тла" и грузовик со студией Rolling Stones, и конечно же "дым над водою" Женевского озера, потому что самый распространенный в прессе снимок изображал клубы дыма над гладью воды.

Когда некоторые снобы от музыки критиковали Блэкмора за слишком примитивный гитарный рифф Smoke on the Water - этот ход состоит всего из четырех нот, - Ритчи просто отсылал их пойти послушать начало Пятой симфонии Бетховена. На этом риффе выросло уже несколько поколений, он увековечил Deep Purple. В начале 2000-х годов американский музыкальный журнал Goldmine утверждал, что Фрэнк Заппа и его Mothers впервые попали в американский Top40 благодаря упоминанию о них в Smoke on the Water. В песне Lazy, кстати, Гиллан тоже намекает на Заппу, познакомившись вероятно с его образом жизни:


Machine Head через неделю после выхода попал на 1-ое место в Соединенном Королевстве и многих других странах. В США он поднимался только до 7-го места, зато продержался в хит-параде два года, став за это время дважды платиновым.

Supertramp - Breakfast in America

"Завтрак в Америке" - шестой альбом британской группы прогрессивного рока Supertramp, выпущенный в 1979 году. В конце 1970-х Supertramp окончательно переселились в США, где стали постепенно отходить от прогрессивного стиля к звучанию, более ориентированному на поп-песни. Эта тенденция достигла своего апогея в их самом популярном альбоме Breakfast in America, который стал №1 в США и №3 - в Соединенном Королевстве. Кроме того, четыре песни с альбома - "The Logical Song" (№ 6 в США), "Take the Long Way Home" (№ 10 в США), "Goodbye Stranger" (№ 15 в США) и заглавная "Breakfast in America" (№16 в США)  - стали успешными синглами. Всего по миру было продано более 18 млн. экз. (из них 4 млн. в США).

При записи альбома всплыли на поверхность все трения, накопившиеся между Роджером Ходжсоном и Риком Дэвисом. Дэвису не нравилась песня "Breakfast in America", он не желал видеть ее в альбоме. И естественно, он не хотел, чтобы альбом назывался "Breakfast in America". Он предлагал в качестве названия либо Hello Stranger ("Привет, незнакомец") или просто "Рабочее название" (Working Title).

Многие песни в Breakfast in America сыграны на электропиано Wurlitzer, демонстрируя множество его возможностей. Из Wurlitzer можно извлекать различные звуки, в зависимости от силы нажатия на клавиши - песни Child of Vision и The Logical Song прекрасно демонстрируют это. Supertramp применяли Wurlitzer и ранее, например в песнях Dreamer или Lady, но никогда не использовали столь интенсивно как в альбоме Breakfast in America, что делает пластинку великолепным показательным образцом богатых возможностей этого инструмента.

Breakfast in America стал самым успешным альбомом группы за всю ее историю. Он продержался в Billboard's Pop Albums Chart шесть недель весной и летом 1979 года, поднимаясь до 1-го места.

ОБЛОЖКА

Лицевая сторона обложки изображает взгляд на Нью-Йорк из иллюминатора самолета. Дизайн разработал Майк Дауд, а нарисовала Кэйт Мёртаф: Статуя Свободы, в виде услужливой официантки, держит стакан свежевыжатого апельсинового сока вместо факела, а Манхэттен позади нее изображен в виде кухонной посуды, коробок из под кукурузных хлопьев, пепельницы, баночек из-под перца, соли, кетчупа - в общем всевозможных полезных принадлежностей, необходимых для всякой кухни. Манхэттенские пристани сделаны из ножей и вилок. Башни-близнецы Международного Торгового Центра представлены в виде двух стопок каких-то коробок, а Бэттери парк, откуда отправляются паромы, - в виде тарелки с английским завтраком. На обратной стороне - великолепное фото музыкантов за завтраком, читающих каждый свою домашнюю газету. Их обслуживает та же самая тётенька - "Статуя Свободы".

Breakfast in America получил премию Грэмми 1980 за лучшую упаковку пластинки, обойдя по конкурсу альбомы Talking Heads и Led Zeppelin.

Sweet - Sweet Fanny Adams

Sweet Fanny Adams - первый альбом, который выпустила группа Sweet, вырвавшись из-под опеки известных британских мелодимейкеров Чинна и Чапмэна. Альбом так и дышит мощной энергией человека, неожиданно вырвавшегося на свободу. Sweet Fanny Adams - классический альбом "забойного" хард-рока 1970-х. Если критики и музыковеды всегда ставили Sweet и их музыку в разряд "подростковой", несерьезной и т.п., то время расставило все на свои места: попробуйте сегодня найти пластинку Sweet Fanny Adams в приличном состоянии - дешевле, чем за 100 долларов Вам вряд ли это удастся, потому что это альбом, который "запиливали" от бесконечного прослушивания.

Корни группы Sweet ("Сладкие") уходят в 1965 год, в британскую соул-группу Wainwright's Gentlemen ("Джентльмены из Уэйнрайта"), где на барабанах стучал Мик Такер (Mick Tucker), а вокалистом был Иэн Гиллан (Ian Gillan) - да-да тот самый! Диапазон группы был ограничен небольшими британскими клубами, где игралась смесь R&B и психоделии. В 1965 Гиллан ушел в группу Episode Six, а оттуда - в Deep Purple. Вместо Гиллана на вокал пришел Брайан Конноли (Brian Connolly). Такер и Конноли играли в Wainwright's Gentlemen до начала 1968 года.

В январе 1968 Такер и Конноли покинули Wainwright's Gentlemen, чтобы создать свою группу, которую назвали The Sweetshop ("Конфетная лавка"). Они взяли в группу бас-гитариста и вокалиста Стива Приста (Steve Priest), который играл до этого в местной группе The Army, и друга Такера - гитариста Фрэнка Торпи (Frank Torpey). Sweetshop не составило труда собрать свою армию поклонников в местных пабах, а вскоре они подписали контракт с записывающей фирмой Fontana. К тому моменту другая британская группа выпустила сингл под таким же названием Sweetshop, поэтому группа сократила свое название до The Sweet.

Дебютный сингл Sweet под названием Slow Motion ("Замедленное движение"), вышедший в июле 1968, успеха не имел. Fontana расторгла контракт, а Фрэнк Торпи покинул группу. Стив Прист позже писал в своей автобиографии, что когда Торпи решил уйти, на его место просился было некий Гордон Фэйрмайнер, но передумал, когда узнал, что они зарабатывали тогда всего 15 фунтов стерлингов в неделю.

В 1969 пришел гитарист Мик Стюарт (Mick Stewart), Sweet  подписали контракт с EMI Parlophone и записали три сингла с песенками в стиле "бабл-гам" (попс для девочек). Эти синглы также не попали ни в какие чарты, и гитарист Мик Стюарт покинул группу. На его место пришел Энди Скотт (Andy Scott), который оказался самым опытным музыкантом в группе, ибо играл до этого в трех бандах: Scaffold, Mayfield's Mule и Elastic Band.
В этом составе (который окажется вскоре "золотым" и наилучшим) за Sweet всерьез взялась менеджерская группа под руководством продюссера Фила Уэйнмана (Phil Wainman) и тогда еще никому неизвестного дуэта композиторов-песенников Никки Чинна и Майка Чапмэна ( Nicky Chinn и Mike Chapman). Они работали по контракту с RCA Records.

Sweet пытались тогда совместить различные музыкальные веяния, включая бабл-гам попс (типа групп The Archies и Monkees) с более тяжелым рок-звучанием (типа The Who). Sweet переняли у The Hollies богатые вокальные гармонии, сочетав их с дисторшоновым" гитарным звучанием и тяжелой ритм-секцией. Эта смесь поп и хард рока станет фирменной маркой Sweet и прдвосхитит появление стиля "хэйр металл" (hair metal) спустя 10 лет.

Заметное влияние на Sweet оказал также барабанщик 1960-х Сэнди Нельсон (Sandy Nelson), манера которого ощущается в игре Мика Такера. Особенно в таких вещах Sweet, как "Ballroom Blitz" и "The Man With The Golden Arm" есть кое-что заимствованное от американского хита Сэнди Нельсона 1961 года "Let There Be Drums".

Однако первое время Sweet пришлось петь слащавые песенки, сочиняемые парочкой Чинн-Чапмэн, которые имели некоторый коммерческий успех. Когда музыканты приходили в студию записывать очередной сингл с мурлыкающими песенками Чинна-Чапмэна, им разрешалось заполнять вторую сторону сингла своими вещами. Правда, студийного времени на это оставалось крайне мало - не более трех часов. И тем не менее, Sweet умудрялись записывать B-side (обратную сторону) на каждом сингле все более жесткими вещами. Таким образом складывался резкий контраст между первой и второй стороной пластинки одной и той же группы.

Например, когда на второй стороне сингла "Co-Co" появилась "Done Me Wrong All Right", многих любителей рок-музыки и ненавидящих попсу это озадачило. Они понимали, что Sweet скорее то, что они играют на второй стороне, а не на главной. Концертный репертуар Sweet также состоял преимущественно из обратных сторон синглов и поппури из классических хитов рок-н-ролла.

С ростом популярности Sweet вошли в плотный график сплошных концертов и телевыступлений не только в Соединенном Королевстве, но и по всей Европе. Толпа их поклонников росла. Успех группы во многом поддерживался имиджем глэм-рока (glam) - музыканты глэм эпатировали публику, ярко раскрашиваясь, делая макияж и экстравагантно одеваясь в кричаще яркие цвета. В этом направлении в то время работали Gary Glitter, T. Rex, Queen, Wizzard и Slade.

В 1974 году Sweet устали от музыкального контроля Чинна-Чапмэна и записали вместе с продюссером Филом Уэйнманом свой первый самостоятельный альбом - Sweet Fanny Adams, который достиг 27-го места в списке британских рок-альбомов. В альбоме есть еще две песни Чинна-Чапмэна - "No You Don't" и "AC/DC", однако группа продемонстрировала собственные возможности писать хиты. В песнях "Sweet F.A." и "Set Me Free" собственно об этом и поется - о свободе и о том, что "нам по..." (F.A. - обычно говорилось, чтоб не произносить вслух "fuck all"). Вообще, само название альбома говорит, примерно, о том же.
Дело в том, что "Sweet Fanny Adams" - это устоявшееся выражение из слэнга британских военных моряков, фраза из разряда "черного юмора", ведущая свое происхождение от одной мрачной истории, потрясшей всю Англию в XIX веке. В 1867 году в одном провинциальном городишке один безумный клерк убил 8-летнюю девочку по имени Фанни Адамс (Fanny Adams). И не просто убил, а раскромсал ее тело на части, так что остатки долго собирали потом в разных местах. Через пару лет после того случая, на флоте ввели в рацион моряков новый продукт - тушенную баранину, которая не очень-то пришлась по вкусу  матросам. Родилась черная шутка, что это останки Фанни Адамс. Так, "Фанни Адамс" стали называть любую нестоящую вещь, а позже пошло выражение и "милая Фанни Адамс" ("sweet Fanny Adams"), то есть "ничего стоящего" или просто "sweet F.A.", где F.A. служило эвфемизмом для "fuck all", что имеет тот же смысл, то есть "ничё особенного, х... какая-то".

С выходом в свет альбома Sweet Fanny Adams группа отказалась от причудливых глэм (гламурных по современному) нарядов, сменив их на обычную одежду хард-роковой группы - тогда были в моде длинные волосы и брюки клеш. В Sweet Fanny Adams родился и характерный для группы стиль вокальных гармоний на высоких тонах, которым отличались на британской сцене, кроме них еще T.Rex, Queen и Uriah Heep.

Во время записи альбома вокалист Брайан Конноли попал в драку в предместье Лондона Стэйнзе, где сильно повредил горло. Это сильно ограничило его вокальные способности. Прист и Скотт спели за него главные вокальные партии в "Into The Night" ("В ночь") и "Restless" ("Неугомонный"). Врачи боролись за его горло, победила молодость, и Конноли удалось благополучно завершить альбом. Группа не стала предавать этот случай огласке, заявив прессе, что намечавшиеся концерты отложены по причине инфекции, попавшей в горло Конноли.

Sweet Fanny Adams не издавался в США, но 1, 3, 6, 8 и 9-я вещи из него составили основу для американской версии следующего альбома Sweet - Desolation Boulevard, выпущенного на американской Capitol Records. Возможно потому что альбом не издавался в Штатах, сейчас сложился большой дефицит на его виниловые экземпляры, и они сильно выросли в цене. Многие поняли, что по энергетике Sweet Fanny Adams не слабее дип перплского Machine Head, только Мэшин Хэдов в свое время наштамповали немерено, а у Sweet таких тиражей не было.

Slade - Slayed?

Slayed? - третий студийный альбом британской рок-группы Slade, вышедший 1 ноября 1972 года на фирме Polydor. Slayed? - (игра слов, поскольку звучит так же, как и название группы) - означает "Убиты?" Многие критики считают Slayed? лучшим альбомом группы. Во всяком случае, Slayed? по выходе в свет, возглавлял одно время британские чарты. Две вещи из альбома выходили на синглах и стали большими хитами в Соединенном Королевстве: "Gudbuy t'Jane" (№ 2) и "Mama Weer All Crazee Now" (№ 1).

В одном из интервью в 2000-х годах, вокалист группы Нодди Холдер вспоминал о тех временах:

"Вы должно быть помните, что в то время невозможно было иметь мгновенный успех с помощью видеоклипа. Музыкантам приходилось "пахать". С тех пор, как я начинал, музыкальный бизнес сильно изменился. Сейчас он стал слишком корпоративный. Он весь построен на маркетинге. Поп-бизнес всегда строился на маркетинге, но я имею в виду, сегодня в нем доминирует применение видео. Сегодня чтобы продать пластинку, необходимо иметь хитовый видеоклип на MTV. Можно собрать группу, найти им подходящий имидж, взять подходящего продюссера и подходящую песню, затем снять крутой видеоклип - и дела идут в гору. С помощью маркетинга, пластинка может попасть в чарты моментально. Особое предпочтение отдается группам симпатичных мальчиков или симпатичных девочек - это еще один трюк маркетинга.

А я привык к старому рок-н-ролльному подходу, когда надо было много трудиться, чтобы подняться наверх. Мы платили за успех бесконечными гастролями. Мы завоевали огромное количество фанов благодаря концертным выступлениям за долго до первого успеха пластинок. Нам пришлось дать много концертов, прежде чем попасть в студию. Вот так обстояли дела в те дни. И мне нравится такой старомодный подход. Все время работаешь на гастролях, иногда с надеждой делаешь запись, потом с надеждой получаешь готовую пластинку. Нам понадобилось на это пять леть в составе Slade. Я работал до этого и в других группах, но в составе Slade прошло пять лет, прежде чем наша запись попала в чарты.
"

Все, кто видел Slade живьем, знают, что это концертная группа. Ко времени записи альбома Slayed? группа уже выработала свой фирменный стиль, свое звучание, можно сказать с этого альбома начинается настоящий Slade. В 1972 году британскую сцену захватывает глэм-рок - яркий мелодичный рок с простыми текстами (в отличие от прогрессивных команд), несложными гармониями и экстравагантными одеждами - гламурными, как сейчас назвали бы. Собственно, glam и был гламурным течением начала 1970-х. Это было время успеха T.Rex, Гарри Глиттера, отчасти Дэвида Боуи и Элвина Стардаста. Slade не были откровенно глэм-роковым явлением, разве что в одежде. В то время яркие пиджаки, часто с блёстками и пестрые рубашки, а также туфли на высоченных каблуках были неотъемлемой спецодеждой рок-музыканта. Особенно в мэйнстриме.

По рассказам Холдера, музыканты относились к этому как к рабочей одежде. И только гитарист Slade Дэйв Хилл всегда имел пристрастие к пестрой одежде, он одевался крикливо, так что остальным музыкантам было неловко - задолго до рождения эры глэм-рока. Если ему намекали на это, он огрызался на Нодди: "Ты пишешь хиты, а я - продаю их."

Хитами альбома стали "Gudbuy T'Jane" и "Mama Weer All Crazee Now".

Нодди Холдер про "Gudbuy T'Jane":

"Это была одна из самых легких песен, какие мы только записывали. Мы были в студии, закончили работу над несколькими песнями для нового альбома, и оставалось еще полчаса времени ни туда - ни сюда. Чес терпеть не мог убивать зря студийное время.  Он спросил: "У вас есть еще какие-нибудь песни? Давайте наложим основную дорожку на что бы там у вас ни было и используем время."

У меня и Джима не было ничего такого, кроме разве что одной песни, которую мы только начали - про девушку по имени Джейн, которую мы встретили в Сан-Франциско. Остальные ее не слышали. Мы сыграли то, что имели Чесу, и ему понравилось. Он сказал: "Запишите это на пленку. У вас 30 минут." Пока Джим показывал мелодию Дэйву и Дону, я пошел в сортир и закончил текст. Это было несложно, потому что вращалось вокруг реальной истории.

Джейн была прекрасная девушка, одна из ведущих ток-шоу на телевидении в Сан-Франциско. Ей было всего 16. Она ничего не делала в этой программе. Все интервью брал другой ведущий - какой-то парень. Джейн просто сидела рядом с ним, время от времени встряхивая своими длинными блондинистыми волосами. Она не произнесла в эфире ни слова.

Перед самым началом передачи Джейн не могла найти свои "походные ботинки 1940-х", как она их называла. На самом деле, это были просто туфли на платформе.  Она уверяла, что это настоящие туфли 40-х годов, и она отдала за них целое состояние. Очевидно, чувак, который продал ей эти туфли, навешал ей лапши, что они антикварные, но они были точно такие же, какие можно найти в любом магазине на центральных улицах британских городов.

Она устроила такую суету по поводу, как она пойдет на шоу без этих туфлей, пока не нашла их наконец. Вот об этом и песня. Там есть строчка "Got a kick from her '40s trip boots" - это о том, как я получил от нее пинка. Мы подшучивали над ней, пока она искала туфли, а когда она их нашла и обулась, то дала мне пинка. Она была настоящая сумасшедшая, типичная сан-францисская хиппи.

Мы записали песню с двух дублей и целиком закончили ее в тот же день. На следующий день наложили еще немного гитару и вторые голоса, и Чес свел ее. Он сказал: "Парни, это очередной сингл." Название "Прощай, Джейн" придумал Джим. Я хотел назвать ее "Привет, Джейн". В этом вся разница между нами. Джим все видел в пессимистическом свете, я - наоборот, в самом радужном. Незря, наш гастрольный персонал прозвал Джима "Мидлендский страдалец". Но в данном случае, все проголосовали за вариант Джима.
"
(из книги N.Holder. Who's Crazee Now?)


Каверы с "Mama Weer All Crazee Now" делали многие исполнители, в том числе The Oppressed, The Arrows, Mama's Boys, Angeles del Infierno, Quiet Riot, James Last, The Runaways. На самом деле, в альбоме есть вещи посильнее. Например, "Gudbuy Gudbuy" и "I Don't Mind", представляющие во-первых, замечательный талант песнетворческого тандема Холдер/Ли, во-вторых, демонстрирующие фирменные полёты холдеровского фальцета (до мурашек по коже) в верхние октавы. Не менее шикарно Нодди сделал песню Джанис Джоплин "Move Over", переориентировав текст на мужское лицо - "You know that I need a woman", там где Джоплин пела "I need a man". Гитарист Хилл тоже не подкачал, сыграл соло, характерное для психоделической Америки 1960-х.

Slayed? - альбом, ставший уже классикой группы Slade, золотой фонд рок-музыки.